James Conlon: Brahms y Schumann con la “OSG”

James Conlon dirige a la “OSG” en el Palacio de la Ópera de A Coruña-20´00h-, incluyendo en programa dos obras de dos compositores que entre ellos han mantenido una profunda afinidad a lo largo de su vida, el apacible Johannes Brahms y el siempre convulso Robert Schumann. Del primero la “Sinfonía nº 2, en Re M. Op. 73” y del segundo la “Sinfonía nº 2, en Do M., Op 61”.Buen recuerdo conservamos de Conlon de su visita de abril de 2019, en la que contando con Joaquín Achúcarro como solista, nos ofreció en programa la obertura de “Lucio Silla”, además del “Concierto para piano nº 20, en Re m. K. 466” y la “Sinfonía nº 12, en Re m. Op. 112 (El año 1917)” de Dmtri Shostakovich, en aquella temporada de excelentes resultados con el sinfonismo del ruso.

Conlon apreciado por sus labores con la Ópera de Los Ángeles y con la O.Nacional de la “RAI”, de Turin, mantuvo vínculos con las óperas de París y Colonia y fue director de proyectos ambiciosos como el Festival de Ravinia, de la O.S. de Chicago y el Festival Cincinnati May. En Los Ángeles, ofreció la integral del “Anillo” wagneriano, idea de su dedicación a la lírica como la serie de “Recovered Voices”. Con la “RAI”, mostró interés por las atenciones a compositores italianos: Giuseppe Martucci, Leone Siniglia, O.Respighi y otros como Mahler, Martinu, Mussorgski o Zemlinsky, este último en la línea de la generación de los proscritos condenados en el infierno de la “Entartete Musik”. Zemlinsky, le supuso la concesión de un “ECHO Klassics” y Viktor Ullmann, otro de los rescatados, el “Preis der Deutchen Schallplattenkritik”.

Brahms con la “Sinfonía en Re M. Op. 73”, terminada en 1877 y marcada por un fuerte contraste con la anterior, algo parecido a lo que le sucedió a Beethoven entre la quinta y la sexta, quien había sentido la necesidad de crear algo más ligero con respecto a la poderosa “Sinfonía en Do m.“. Había sentido la urgencia de algo más despreocupado y amable y así nacerá la “Pastoral”, en contraste con el “pathos”, de la quinta. Esta de Brahms, se inspirará dentro del más profundo sentido de la naturaleza y fue compuesta en un tiempo más corto que la escrita en “Do m.”. El espíritu que la embarga se refleja evidente en la propia instrumentación, más delicada y transparente, al tiempo que luminosa y brillante; las bucólicas flautas así como los pastoriles oboes y clarinete, tienen encomendadas partes especialmente protagonistas: Brahms a mayores, no renunciará al poderío sonoro de trombones y tubas, que contribuyen con ostensible claridad a los movimientos extremos. En el primer movimiento “Allegro non tropo”, nos hallamos con una idea a modo de lema, que se convierte en un romanticismo de talante meridional.

El “Adagio non troppo”, hasta cierto punto más grave y equilibrado, servirá como antelación al “Allegretto grazioso, quasi andantino”, puramente brahmsiano caracterizado por su aire juguetón y bucólico, firma propicia para conceder entidad a la sinfonía, entre sus tres “ritornelli” y las reminiscencias de lo que podrá ser una canción popular y el “Allegro con spirito” nos aboca sin reservas estilísticas al comprensible estado de felicidad. Evitará pues posibles contrastes violentos, gracias en definitiva a la abreviada recapitulación que nos conduce a la pujante coda que concluye en una entusiasta explosión de exaltación dionisiaca. Cada una de sus cuatro sinfonías resultarán realidades y aventuras distanciadas, especialmente las dos primeras.

La obra en cuestión tendría una revisión del autor en unos meses, mientras permanecía en Lichtental, un suburbio de Baden-Baden, a donde se desplazaba de buena gana, aunque solo fuese para recuperar su amistad y veneración con Clara, la compañera de Robert Schumann, quien además ejercía como consejera. La sinfonía, confiada a su estimado Billroth, recibirá una consideración de aprecio: “Todo son arroyos ondulantes, cielos azules, rayos de sol y verdes y refrescantes sombras ¡Qué hermoso debe ser todo en Pörtschach!”. Es fácilmente comprensible que esta obra llegase rápidamente al corazón del público, y en estreno en Viena, bajo la inspirada batuta del riguroso Hans Richter, el 30 de diciembre de 1877 , fue recibido con entusiasmo, llegando a repetirse el “Allegretto grazioso, quasi andantino”

Robert Schumann con la “Sinfonía nº 2, en Do M. Op. 61” y siguiendo los pareces del autor, difiere de la de Brahms, en que concebida en un estado de depresión y ofuscación mental, tan frecuentes en el sufrido músico. Fue tomando forma una vez concluido en “Concierto para piano”, cuando se anunciaban rasgos de la situación personal que condicionaría su futuro. Definitivo reto contra sí mismo en esa lucha sin retorno posible, ratificada por el tratamiento y uso de esa tonalidad que se manifiesta en su conjunto. Johannes le apreciaba y sabía de sus devaneos con el abismo y ya el movimiento de entrada, será como un retrato emocional suyo. Un “Sostenutto assai, Allegro ma non troppo” que se avanza con un tema casi solemne, trazado por las trompas, trompetas y trombones. Están presentes de manera recurrente las visiones y los fantasmas. El “Scherzo, allegro vivace” se apunta a una especie de perpetuum mobile”, en esa línea obsesiva y con la urgencia de dos tríos contrastado, tomando el primero un motivo ascendente.

El “Adagio espressivo”, ubicado en tercer lugar, pasará por ser el movimiento más apreciable de la obra, cumpliendo esa necesidad de indagar interioridades acuciantes, resultando en toda regla una reconocible “romanza” anunciada por un tema en Re menor, y el “Finale”, “Allegro molto-vivace”, se define por una intensa acentuación rítmica, con una coda relacionada con su apreciada Clara y un detalle que más de uno verá un momento del ciclo de lieder beethoveniano “A la amada lejana”. Schumann o la estética del dolor, en un sufrimiento indeterminado, metafísico y constante, situándose en los confines del silencio