Ópera contemporánea española en el curso del CGAC”
La cuarta jornada del Curso dedicado a la ópera contemporánea que dirige la profesora Rosa Fernández en el “CGAC”-18´30-20´30 h.-, centrará sus atenciones a la ópera actual española, que por evidentes limitaciones, apostará por tres compositores. El curso, en su conjunto, demandaría una extensión más amplia en su contenido, será una opción para próximas convocatorias, que permitirán ampliar en propuestas y extensión. Remitiéndonos a la ópera española, valdrá con citar a Fernández Guerra, cuando recordaba los estrenos propiciados por el antiguo “CDMC” (Centro para la Difusión de la Música Contemporánea), que dirigía Tomás Marco, llevando a escena en la Sala Olimpia- hoy Teatro Valle –Inclán-, y en el Teatro de La Zarzuela, producciones que se abrieron con “Sin demonio no hay fortuna,”, de Fernández Guerra, para seguir con “Fígaro”, de J.R.Encinar o “El secreto enamorado”, del añorado Manuel Balboa, sobre libreto de Ana Rossetti y “El cristal de agua fría” , de Marisa Manchado, con texto de Rosa Montero. Un excelente proyecto que desafortunadamente, no tuvo continuidad. Seguimos con todo asistiendo a estrenos, en su mayoría por encargo, pero que por falta de las necesarias infraestructuras, no pasan de la función de estreno.
Tres serán los compositores en este capítulo de “Los novísimos”, que tengan cabida, con las pretensiones que aceptar los obligados condicionantes, músicos como Fernando Buide del Real, Benet Casablancas y Mauricio Sotelo. Fernando Buide del Real por la reciente “A amnesia de Clío”, puesta en escena en la temporada del Auditorio de Galicia, el curso pasado, bajo la dirección de Paul Daniel, y la asistencia de Pablo de Vigo. Para los principales roles, Raquel Lojendio-“Clío”-; Sebastià Peris-“George Bush”- y Marina Pardo, repartiéndose entre “Angela Merkel” y “Leslie Zimmerman”, la participación del “Orfeón Terra A Nosa”, de Miro Moreira, bajo la dirección escénica de Marta Pazos. Comentaba el autor que la música tomaba como punto de partida la poderosa y poliédrica figura femenina creada por Fernando Epelde, pretendiendo recorrer musicalmente la narrativa musical de “Cicciolina”. El asunto de la diva trajo cola y hubo de alterar el proyecto previo por espinosos asuntos legales. En fin, un complemento de publicidad gratuita de añadido.
A pesar de la división en escenas del libreto, la ópera transcurría sin solución de continuidad. Un fluir constante en lo musical y una permanente transformación en la evolución sonora que pretendía ser un paralelismo con un libreto que basculaba entre la realidad y lo onírico; un mundo musical surrealista que nos trasladaba de lo bélico a lo violento a lo trágico, en medio de una realidad que nos vemos abocados a cuestionar. Aunque no existiese un “leit-motiv”, o tema musical ligado a los personajes concretos, si existían ideas musicales que de forma amplia, podrían vincularse a las expresiones de momentos anímicos recurrentes a lo largo de la obra. Podían también señalarse varios fragmentos musicales a modo de interludios, que intentaban servir de comentarios emocionales del texto.
Una es escritura vocal que abarcaba desde líneas líricas amplias hasta momentos más fragmentarios con gestos musicales atomizados, manteniendo en todo momento la comprensión musical del texto. Una ópera que, ante todo, pretendía ser teatro musical. Un orgánico orquestal pensado para una formación sinfónica de tamaño clásico que podía acomodarse a un foso de dimensiones medias, con un número aproximado de músicos que se situaban entre los 40 y los 50, contando con las variaciones que traerá las variaciones de cuerda. En las secciones de viento-madera, se incorporan timbres que refuerzan la dimensión grave del conjunto contrafagot y clarinete bajo), con una sección de percusión que incorpora instrumentos de carácter resonante como campanas, vibráfono, tam-tam, que en ocasiones actúan junto al arpa como prolongación sonora.
Mauricio Sotelo y ”El público”, con un breve comentario sobre Don Perlimpin”, ópera radiofónica de Bruno Maderna, de 1962. El simbolismo surrealista lorquiano, la realidad y el deseo, como supo calificar Luis Gago, en su excelente crítica del estreno en el Teatro Real, dirigido musicalmente por Pablo Heras Casado, sobre una producción escénica de Robert Castro. Sotelo, amante y profundo conocedor de las esencias del cante jondo, se maneja en esta ocasión entre soleás, seguiriyas, bulerías y tangos, brindando con ello los mejores momentos del espectáculo. El libreto había sido obra de Andrés Ibáñez, y en el foso, una formación de lo más audaz, el “Klangforum Wien”, con el coro titular del ente. De nuevo Fernández Guerra para puntualizar detalles: la música de Sotelo, queda acentuada por el virtuosismo de los intérpretes instrumentales, cumpliendo los códigos de la composición actual, más cómoda en los instrumentos que en la vocalidad, surge de la contaminación del flamenco, a veces desde rasgos orquestales que evocan casi a un Falla pero en general desde las voces de cantaores implicados de la acción o la omnipresencia guitarrística de Cañizares. El conflicto entre ambos universos expresivos parece surgir, aquí también, que la abstracción es máscara, el refugio que muestra lo que conviene, mientras el flamenco indaga en las profundidades de un secreto.
“El Público” tiene tantos planos de comprensión que siempre es apetecible hincarle el diente. Uno supone que Mauricio Sotelo con la música, Andrés Ibáñez desde el libreto y Roberto Castro, a partir de la puesta en escena, han disfrutado con el desafío y que han avanzado en el laberinto de abordar una nueva ópera. Un detalle también de interés, Pablo Heras-Casado, granadino como Federico García Lorca, concertó con férrea seguridad, sin alharacas y mostró, el aquel estreno, una envidiable empatía con la partitura de Sotelo, frente a uno de los mejores grupos del mundo en la interpretación del repertorio contemporáneo, el “Klangforum Wien”, luciéndose solistas como Annete Bik, aunque de un posible reparto original, se cayeron varios de los previstos, beneficiando a otros que cumplieron como J.Antonio López o Isabella Gaudí.
Benet Casablancas y “L´enigma de Lea”, ópera simbólica estrenada en el Gran Teatre del Liceu, de Barcelona. Un trabajo a medias con Rafael Argullol y con libreto en italiano, sobre el autor se justificará: Una historia con exposición, nudo y desenlace, pero además de la disposición dramática, del secreto, del reconocimiento mutuo entre “Ram” y “Lea”, porque comparten una experiencia trascendente, hay un tejido de connotaciones humanísticas, Es una de las razones por las que el libreto está en italiano, no solamente por la vocalidad en sí misma sino también porque en el fondo nos remite al mediterráneo, la cultura clásica...ese contexto que es tan nuestro. El músico había propuesto al escritor el posible proyecto, apostando en un principio sobre “El fin del mundo como obra de arte”, aunque la respuesta sería aventurarse sobre un trabajo “ex novo”. Ahí estuvo el principio.
El resultado, once solistas de los cuales había tres muy importantes, aunque concediendo al resto su importancia. “Lea” y “Ram” eran fundamentales y tras ellos, el contratenor “Dr Schicksal”, (Dr Destino), maestro de ceremonias de toda la segunda parte; la pareja “Mijolos” y “Milhojas”, personales extremos, negativos e intrigantes y muy reales, una soprano coloratura, con ese punto de extrañamiento que puede ser incluso agresivo, y un bajo profundo buscando el extremo opuesto. Las “Tres Damas”- soprano, mezzo y contralto-, personajes antitéticos, tres personas nobles, compasivas y simpáticas, que quieren dar cobijo a esos dos personajes desolados y heridos por distintas razones, que son “Lea” y “Ram”. Una gran orquesta, no muy ampliada pero con mucho color (con piano, celesta, arpa, cuatro percusiones, timpani), pretendiendo que esa orquesta sea dúctil dentro de sus atenciones a la voz, como centro.